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À Paris Photo, l’une des plus grandes foires au monde consacrée à la photographie en tant qu’art, une initiative innovante appelée « Elles x Paris Photo » offre aux visiteurs une nouvelle façon de parcourir ce labyrinthe impressionnant d’images saisissantes et provocantes. Plus de 40 clichés signés par des femmes ont été sélectionnés pour tracer un itinéraire inédit au sein de la foire, célébrant ainsi le regard photographique féminin, ce fameux « female gaze ». Voici notre sélection issue de ce parcours, où nous avons exploré le corps et sa représentation dans toutes ses nuances.
Ces photographes femmes à ne pas manquer à Paris Photo
Ngadi Smart
« Mon objectif a toujours été de contrer les clichés habituels du « porno de la pauvreté » avec des couleurs vibrantes et du collage, en réponse à la manière déshumanisante dont les nations africaines en développement ont été historiquement dépeintes par les médias occidentaux. »
Ngadi Smart Wata Na Life, 2024 Loose Joints.
© Loose Joints, Ngadi Smart
Zofia Rydet
« Dans le travail de Zofia Rydet, le corps est la représentation d’un être humain, membre de la civilisation moderne. L’artiste offre ici l’image de la crise mondiale, à la fois souvenir du passé et avertissement pour l’avenir. » Łukasz Gorczyca, galeriste
From the World of Feelings and Imagination cycle. Threat, silver gelatin print, 49,5 x 39,6 cm – 1975-1979
© Raster The Zofia Rydet Foundation and Raster Gallery
Maria Chambefort
« S’intéresser aux femmes non seulement en tant que sujets, mais aussi en tant qu’autrices à part entière, nous permet de restituer la diversité des parcours empruntés par ces photographes. » Bruno Tartarin, galeriste
Autoportrait d’une des premières femmes photographes, 1858, daguerreotype, 12,5 x 15cm, photo discovery
© Photo Discovery / Bruno Tartarin, Maria Chambefort
Mari Katayama
« L’étude de la série pour Caryatid est le portrait le plus simple que j’aie réalisé dans ma carrière. Tenir une chaise au-dessus de sa tête est une déclaration du fait que l’existence et la vie des êtres humains ne sont données par personne, et ne sont destinées à personne. »
Mari Katayama, study for caryatid #001, c-print, 180 x120 cm – 2023 Suzanne Tarasieve.
© Mari Katayama Studio et Galerie Suzanne Tarasieve, Paris
Lois Conner
« J’ai ressenti l’urgence de les photographier. Photographier une femme avant qu’elle n’accouche, un être cher avant qu’il ne meure, la lumière du jour avant qu’elle ne disparaisse et que l’obscurité ne s’installe, sont autant de motivations et d’expressions de la force de la vie. »
TO BE, Photobook 12 x 28,5
© L’Artière, Lois Conner
Lore Stessel
« Dans cette image, les mains se rejoignent dans un moment de danse collective. Nos visages et nos mains sont les deux centres d’expression les plus intenses. Je préfère laisser les mains parler, car elles combinent l’abstrait et le concret. »
Poetry of the gang #07 – 2022 Les filles du Calvaire
© Les filles du Calvaire, Lore Stessel
Sabiha Çimen
« Les femmes musulmanes, comme toutes les femmes, ont des corps. Avec cette image, j’ouvre un dialogue sur les complexités d’être une femme musulmane au-delà des stéréotypes. Sare avec sa glace à la vanille – je voulais mettre en lumière son identité, les attentes sociales, et la liberté personnelle, les luttes des femmes, leur résilience. »
Sare’s Blue Ice Cream. İstanbul – 2023 LOOCK
© Sabiha Çimen / Magnum Photos, Courtesy LOOCK, Berlin
Imai Hisae
« Dans l’histoire d’Imai, une femme âgée et Ophélie se rencontrent et échangent leurs places, et Ophélie, qui était censée se noyer, est ramenée à la vie. Ophélie la vivante n’est plus une tragédie. » Aya Tomoka, galeriste
Ophelia – 1960
PGI & The Third Gallery Aya
©︎ Imai Hisae, Courtesy of The Third Gallery Aya
Alina Frieske
« J’étais intéressée par notre dépendance au contenu en ligne. Bien que cette image soit plutôt agressive, en raison de la surcharge compulsive d’images, elle est aussi pleine de soin et de tendresse — l’attachement aux écrans que nous gardons si près de nos corps. Je voulais commenter à la fois le comportement du consommateur et celui d’être consommé. »
News Feed, Alina Frieske
© Alina Frieske, Fabienne Levy Gallery
Tee A. Corinne
« Corinne disait souvent : « L’absence d’une histoire accessible au public est une forme d’oppression dévastatrice. Les lesbiennes y sont confrontées en permanence. » En imprégnant la flore et la faune d’une énergie érotique, Corinne a produit des images sexuellement évocatrices qui transmettaient « la spiritualité de la sexualité ».
Charlotte Flint, galeriste
Untitled – c. 1974-79 Webber
© Webber
Lucile Boiron
« Les gros plans, qui font partie intégrante de mon langage visuel, décontextualisent. Ce qui m’importe, ce n’est pas tant ce qui est photographié, mais plutôt le sentiment que les images nous font ressentir. Cette image pourrait être perçue comme une expression de l’état de confusion entre le corps de la mère et celui de l’enfant, alors qu’ils ne sont pas encore complètement dissociés. »
Bouche, Tirage argentique couleur, peinture dichroïque 150 x 112 cm – 2023
© Hors-cadre, Lucile Boiron
6 questions à Raphaëlle Stopin
Commissaire de l’exposition Elles x Paris Photo de la 27e édition de Paris Photo, directrice du Centre Photographique Rouen Normandie et ancienne directrice artistique du Festival de Hyères.
Quelles étaient vos intentions en réalisant cette sélection ?
Mon objectif était de libérer la création artistique des femmes des stéréotypes, d’aller au-delà de l’autoportrait, du militantisme ou du commentaire sur la représentation des femmes. Dans cette sélection, il y a bien sûr de nombreuses artistes de moins de 40 ans, environ un tiers, mais la majorité d’entre elles sont des artistes du 20e siècle.
Pour ce portfolio, nous avons choisi de nous concentrer sur le corps et sa représentation. Comment avez-vous perçu ce thème plus restreint ?
Ce que je trouve intéressant, c’est qu’il y a tant de codes visuels et de langages différents exposés. Tellement, en fait, que cela montre à quel point la question centrale, pour ces artistes femmes, était de vraiment créer une œuvre d’art. La question de l’esthétique n’est pas secondaire, loin de là. Et la production artistique féminine prend des formes variées et multiples, tout autant que celle des hommes.
Y a-t-il quelque chose d’intrinsèquement différent dans le regard photographique féminin ?
Les femmes étaient indéniablement plus conscientes et sensibles au fait que la photographie avait été utilisée, notamment dans les médias, comme un vecteur de représentations extrêmement objectivantes, ce qui les touchait évidemment plus que les artistes masculins. Par exemple, je vois que vous avez sélectionné Lois Conner et son travail qui questionne la représentation de la maternité, avec ces magnifiques Madones du quotidien. Voici une artiste qui propose des images alternatives, par le biais de ce même médium. C’est pourquoi la perspective historique est si nécessaire. Aujourd’hui, la question du corps est encore explorée, mais pas pour les mêmes raisons. Nous sommes passés des grandes luttes féministes contre l’imagerie commerciale de la ménagère ou la marchandisation des corps féminins. Et pourtant, l’actualité semble nous ramener en arrière. De nombreuses artistes continuent de voir le corps comme un espace politique. Par exemple, la représentation du genre, de la fluidité, qui est extrêmement actuelle, est quelque chose qui avait déjà été exploré dans le passé, mais peut-être de manière moins explicite.
Il y a quelque chose de presque agressif, radical, dans certaines de ces images…
Bien sûr ! Regardez Alina Frieske, qui produit une imagerie photographique entièrement manipulée, ou Lucile Boiron, dont le travail est purement photographique, sans aucune retouche. Il y a dans leurs œuvres une exploration de la chair, même si leurs approches sont techniquement opposées. Pour moi, les images ne penchent ni dans un sens ni dans l’autre. Au contraire, les deux ont une certaine crudité. Lucie Boiron, avec ce gigantesque bébé, a réalisé une photo qui plonge dans la chair. Il y a quelque chose d’extrêmement organique, presque essentialisé. C’est un gros plan extrême, une vue fragmentaire qui donne l’impression que la vie déborde du cadre.
Parlez-nous du corps fragmenté en photographie. Que signifie-t-il ?
Le fragment peut signifier beaucoup de choses. Alina Frieske découpe les corps. Comme elle utilise en partie des images trouvées en ligne, son travail exprime nos identités fragmentées dans le monde numérique. Ces images de nous circulent, nous ne savons pas où elles passent, ni où elles finiront ; et donc nos corps, à travers ces images, deviennent fragmentés, nos identités compromises. Pour Lore Stessel, l’impulsion créative est différente. Ce qui l’intéresse, c’est que le fragment exprime le mouvement, la performance. Bien sûr, c’est une sorte de violence de l’image de découper des parties du corps. Mais ce cadre montre un magnifique bouquet de mains : il est facile d’y projeter une image de solidarité féminine, de communauté.
Pensez-vous que les choses s’améliorent en ce qui concerne l’égalité des genres dans le monde de l’art ?
Dans ce pays, et dans bien d’autres, il y a beaucoup plus d’étudiantes en art que d’étudiants. Mais il ne faut pas oublier de regarder le passé. L’histoire de l’art, telle qu’elle est actuellement enseignée, est-elle une représentation fidèle de ce qui s’est réellement passé historiquement ? Bien sûr, les jeunes artistes doivent être encouragées et soutenues, mais il faut aussi leur montrer que la photographie artistique a une histoire, et qu’elle n’est pas seulement le domaine des hommes. Cependant, pour donner aux femmes leur juste place dans cet espace, la réévaluation de leur rôle dans cette histoire ne doit pas se faire au prix d’une simplification excessive. La recherche sur les femmes photographes se limite souvent aux photographes militantes ou aux portraitistes, c’est pourquoi je voulais me concentrer sur la recherche visuelle et l’expérimentation. Regardez Imai Hisae, son travail est vraiment remarquable. Elle a réalisé cette image dans les années 1960 – cela ressemble à ce que Smith produisait l’année dernière. Montrer cette œuvre, c’est replacer cette création dans un contexte historique visuel plus large. Regarder le siècle dernier, se demander ce que nous n’avons pas vu, et pourquoi… Cela re-complexifie le paysage, multiplie les points de vue. Il y a tellement à faire, c’est exaltant !
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